-Gestos 40-
Un considerable número de obras espectaculares actuales se mueven dentro de una estética de la hibridez concentrada en aspectos culturales donde la medialidad y el cuerpo se emplean como planos de acción: el cuerpo como artefacto medial, como escenificación de sí mismo, como producción de conocimiento y como punto de partida de cualquier movimiento. El cuerpo deviene superficie de proyección del placer, de la perversión, de la tortura, de su martirización y desmembración. El grupo Periférico de Objetos con su estética ‘periférica-objetal’ ha desarrollado en los últimos años una serie de conceptos teatro-corporales y cuestionado todos aquellos conceptos tradicionales del teatro en base del empleo de pequeños muñecos deteriorados en lucha con su manipulador. El ensayo se concentra en el análisis e interpretación de la hibridez espectacular en el grupo PO, en el uso del cuerpo como materialidad discursiva y como prótesis que construye, deconstruye y destruye la categoría tradicional de cuerpo, creando con ello un nuevo concepto de teatralidad y diversas cartografías medial/corporales.
Por primera vez en su extensa trayectoria dramatúrgica, iniciada en 1961, el teatrista argentino Eduardo Pavlovsky trabaja sobre la reescritura de un texto de otro autor en su obra Volumnia. Se trata de Coriolano de William Shakespeare. El estudio de Jorge Dubatti analiza las operaciones de reescritura en el nivel de la historia, en su doble articulación sintaxis-trama, y luego se detiene en los rasgos más destacados del personaje de Coriolano según Pavlovsky, en confrontación comparativa con los Coriolanos de Shakespeare y Plutarco (fuente shakesperiana). Dubatti caracteriza este texto como “micropolítica de la resistencia” y precisa su singularidad semántica.
The selection of Nilo Cruz’s Anna in the Tropics for the 2003 Pulitzer Prize based solely on reading the text surprised the New York theater community but was completely consistent with the play’s own thematic investment in the practice of reading and active listening. Focusing on the role of the lector in the Cuban cigar factory and the transformative effects of his reading of Tolstoy’s novel “in the tropics,” Cruz’s play recuperates this historical practice and foregrounds reception as a way of negotiating a conflict between tradition and modernity as well as relationships and self understanding, illustrated through the varied reception practices of individual characters. With the return to reading after the lector’s murder, the community of listeners is reinstantiated and the play’s exploration of the political and transformative power of reading and reception becomes clear, justifying the Pulitzer decision.
Carmen Boullosa’s 1985 play Aura y las once mil vírgenes (from Teatro herético), uses a postmodern style fusing high and low culture and Old and New World forms in order to critique the dual influence that capitalism and Catholicism have on Mexican popular culture. The play challenges hetero-normative femininity and capitalism by employing the tragicomic premise of a failed advertising executive who must “deflower” virgins in exchange for creative and economic potency. In order to understand how Aura denounces the violent reality of female subjection to masculinist and market forces, it is constructive to study mass media advertising's fetishistic portrayal of the female body, which is comically portrayed in Aura, via Luce Irigaray’s linking of the rise of Western cultures to the formative moment of the death of the Mother (“Plato’s Hystera”). This formative moment hides a matricidal impulse that underlies the Western Catholic religious narrative and which is revealed in Aura’s plot.
Using post-colonial theory as a point of departure, this article analyzes Argentine Javier Daulte’s Bésame mucho as a scathing critique of globalization as experienced from a Latin American perspective. The article argues that the deployment of theatrical space in the play’s production in Buenos Aires in 2002-2003 is especially pivotal in the construction of meaning and serves to underscore the power plays that inevitably accompany globalization and result in hybridization and trans- or multiculturation. At the same time the play suggests some revealing connections between the position and power of the colonizer and those of the theatre spectator.
Este trabalho enfoca aspectos da encenação e recepção de Esperando Godot no Brasil através da leitura de textos jornalisticos, programas e anotações de algumas de suas reoresentações. Aborda o rico processo de adaptação e as múltiplas formas de construção deste texto no palco brasileiro. Comemora-se, em 2005, os 50 anos da presença de Beckett no Brasil. Focaliza-se primcipalmente as diferentes abordagens de Alfredo Mesquita (1955), Flávio Rangel (1969) e Antunes Filho (1977). Estas se tornaram acréscimos inter-textuais, às vezes contraditórios, destes diretores ao espetáculo beckettiano. A análise evidencia um processo criativo característico do teatro brasileiro, formador de um intertexto modificador, que adapta com certa liberdade os “clássicos” da literatura teatral para a cena, o gosto e o entorno cultural e evidencia aspectos da estética do espetáculo brasileiro.
Educación sentimental, de Nara Mansur, es un texto sobre la soledad y una relación madre-hija. Deudora de la relación matriarcal, posesiva y frenética de Clitemnestra Plá con Electra Garrigó, Linda Correa y su madre representan, se insultan y conmueven mientras el final se acerca. Seropositiva que vigila su propia muerte y su agonía en el espacio público. La mirada irónica de Mansur —que trabaja sus “materiales” como tejidos de fraseología política, kitch, lenguaje popular, argot, literatura y fantasía poética— desdramatiza la enfermedad y expone los mecanismos ocultos de la intimidad como si estas mujeres hablasen para un televisor encendido al que nadie presta atención.
Un cuarto, una madre y una hija hablando todo el tiempo. Ríen nerviosamente. Lloran. Se le salen los mocos. Saludan al público que las ha visto actuar. Vuelven a hablar de él, de la enfermedad y de cómo hacer a la muerte bella. Él es un marinero que llega al puerto de La Habana: “Te puedo hacer historias, he visto ballenas, he visto a la reina de España,” le dice Juan Estévez a Linda Correa cuando se conocen. La situación es casi la misma siempre: la enfermedad, el resentimiento, las culpas de una educación muy sentimental. Cambian los espacios o paisajes y las emociones desde donde son enunciadas. Linda, como todos los enamorados, está armada con todas las argumentaciones, lo quiere prever todo, sus funerales, la despedida, los juegos, escaparse con su amante, diseñar un pacto suicida: “Ahora soy yo la que no quiere irse. Alguien me mira todavía. Mi madre. Eso es lo que me parece maravilloso. Mamá, no me respondiste: ¿tú sabes qué cosa es reina?”
Review of Rubén Amavisca’s Las mujeres de Juárez presented by Teatro Sinergía at the Frida Kahlo Theater in Los Angeles in September, 2004. The review is a critical analysis of the play that focuses on one family's nightmarish experience when the teenage daughter disappears en route home after the late shift at a maquiladora in Ciudad Juárez. Emphasis is also placed on the complementary aspects of the play: a display of pink crosses with names of women who have disappeared or have been murdered in Ciudad Juárez set up in a room adjacent to the stage; the program notes that beckon spectators to social action; and the post play discussion.
El pánico, del dramaturgo argentino Rafael Spregelburd, se representó en Buenos Aires, en el Teatro del Pueblo, durante el mes de junio de 2004. En la puesta en escena el miedo es el resultado de la incomprensión y la falta de certezas en la vida de una familia. Este artículo presenta un análisis de las situaciones en las que lo absurdo es la vía de manifestación del sin sentido, la incomprensión y del miedo. El pánico confirma una tendencia dentro de la dramaturgia argentina de los últimos diez años que se ha denominado teatro de “intertexto posmoderno.”
Jorge Huerta, Director, and Carlos Morton, playwright, discuss a production of the play, Electricidad, by playwright and gay activist Luis Alfaro that was produced in 2005 by the Center Theatre Group at the Mark Taper Forum. The play is freely adapted from the Electra of Sophocles. Although the production had some face saving qualities, both Huerta and Morton felt that it was doomed from the start by its quirky and often confusing script that featured a family of “cholos” living in East Los Angeles.
